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jueves, 29 de diciembre de 2011

¿Qué es arte abstracto?

Realista, Claudio Bravo, Bodegon con Granadillas, 1983
Figurativo, Aljandro Obregon, Condor, 1987 

Arte Abstracto, Piet Mondrian, Composicion II, en Rojo Azul y Amarillo, 1930

¿Qué es arte abstracto? Antonio, Barcelona, España


Estimado Antonio, hay tres clases de pintura: realista, figurativa y abstracta. El arte realista es aquel que imita al mundo real y muchas de las pinturas parecen fotografías. El arte figurativo es aquel que tiene forma de un objeto del mundo real. El arte abstracto es aquel que no se parece a nada del mundo real. Es algo inventado por el artista y que cada artista tiene su propio lenguaje visual. Por ese lenguaje visual el artista es reconocido. En arte realista algunos artistas representativos son Claudio Bravo, Giancarlo Vitor, Ricardo Maffei, Helmut Ditsch, Pablo Cardoso, Pablo Patrucco, Santiago Cárdenas y Richard Estes entre muchos otros. En el arte figurativo tenemos a Milton Avery, Alejandro Obregon, Jean Michel Basquiat, Picasso, Francis Bacon, Erick Sánchez y Rufiño Tamayo. De arte abstracto te doy los nombres mas detallado mas abajo.

Realista, Giancarlo Vitor, Coca Cola, 2011

Figurativo, Milton Avery, Silla Verde, 1944

 Arte abstracto, Josef Albers, Homenaje al Cuadrado, Salida en Amarillo, 1964

Hay dos clases de arte abstracto, el primero es el arte abstracto geométrico que es basado en formas geométricas rígidas, tal como de los movimientos Arte Concreto, De Stijl, (El Estilo), y el Hard Edge Painting, (Pintura de Borde Duro). La otra clase de arte abstracto, es la abstracción orgánica o abstracción pura, que es basada en la naturaleza, tal como la de los movimientos Abstracto Expresionista y el Color Field Painting (Pintura de Campo de Color).
Realista, Helmut Ditsch, Das Meer I, 2004


Figurativo, Rufino Tamayo, Perro Ladrando a la Luna, 1942



Arte abstracto, Omar Rayo, Corteza de Arco Iris, 2003

Te voy a dar el nombre de los artistas representativos de esos movimientos para que tengas más conocimiento. Del movimiento Arte Concreto están Josef Albers, Helio Oiticica, Max Bill, Omar Rayo y Alberto Magnelli. Del movimiento De Stijl están Piet Mondrian, Gerrit Rietvelt and Theo van Doesburg. Del movimiento Hard Edge Painting podemos resaltar a Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, John McLaughlin, y Karl Benjamin. Del movimiento Abstracto Impresionista están Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Robert Motherwell, Clyfford Still y Barnett Newman. Del Color Field Painting están Morris Louis, Helen Frankenthaler, Jules Olitski, and Paul Jenkins.

Realista, Pablo Patrucco, Sin Titulo, 2009

Figuratico, Pablo Picasso, Mujer Frente al Espejo, 1931


Arte Abstracto, Kenneth Noland, Puente, 1964

Antonio lo que te tienes que acordar es que la primera pintura abstracta fue hecha por el ruso Wasilly Kansdinsky en 1913 y fue la pintura Líneas Negras donde las líneas y el color tienen vidas aparte. Otros artistas que fueron los primeros en hacer arte abstracto fueron el checoslovaco František Kupka y el francés Robert Delaunay. El ruso Vladimir Tantlin fue el primero que hizo esculturas abstractas.

Arte abstracto, Morris Louis, Donde, 1960

Arte abstracto, Jules Olitski, Draky, 1966

Arte abstracto, Clyfford Still, Sin Titulo, 1957

Espero mi respuesta te haya complacido.



Augusto Chimpen



Arte abstracto, Jose Cortez, La Maquina que Remienda, 2014



viernes, 23 de diciembre de 2011

¿Cómo nace un movimiento de arte?


Jackson Pollock, Numero 8, 1949

Willem de Kooning, Mujer I, 1950-52

Filippo Tommasso Marinetti, Dinamismo de un Auto, 1912-13
¿Quien define que cierta forma de hacer (por ejemplo pintar todo con formas hexagonales) pueda ser catalogada en si como un nuevo estilo/forma artístico? ¿Hay algún proceso formal a seguir para que una expresión pueda ser considerada como una nueva corriente en si misma? Paco Lima, Perú.


Estimado Paco, una nueva corriente, es un movimiento de arte, el último movimiento formado en la pintura fue el arte grafiti hace 40 años. Un movimiento se forma cuando hay varios artistas que empiezan hacer un nuevo estilo de pintura nunca antes hecho. Esto se define por el tiempo en que se vive o por una reacción a otro movimiento de arte. Tal es así el arte pop se inicio como reacción al arte abstracto impresionista que estaba de moda en ese tiempo. El arte pop se inicio una generacion después del fin de la Segunda Guerra Mundial, cuando había apogeo comercial, de imágenes y de publicidad en Estado Unidos y Gran Bretaña. El arte grafiti se formo porque habían varios artistas pintando paredes de la ciudad y el subway de New York y después vieron que su arte podría ser incluido en las galerías. El arte minimalista también se formo para dar contra al arte abstracto impresionista de la época. El arte abstracto impresionismo de Jackson Pollock y Willem de Kooning donde se ponía la emoción psicológica del artista, contra el arte minimalista donde era reducir la forma geométrica a su mínima expresión y el estado mental del artista no se incluía en la obra.

Carlo Carra, Caballo y Jinete, 1914

Giacomo Balla, Dinamismo de un Perro con Correa, 1912

Umberto Boccione, Formas Unicas de Continuidad en el Espacio, 1913
El futurismo nació en Italia debido a la modernización de la maquina, la invención del auto moderno. Poniendo énfasis en la fuerza de la maquina, su energía y el movimiento. El artista Filippo Tommaso Marinetti hizo un Manifesto en 1909 en el diario Le Figaro en Paris que se llamaba El Manifesto del Futurismo, donde daba las pautas del nuevo arte, “Coraje, audacia, revolución y acción agresiva para representar energía y velocidad”, tal como lo hizo en su obras.

Los nombres de los movimientos son puestos por los críticos de arte cuando hacen sus críticas en medios de comunicación. Por ejemplo, el nombre del movimiento Impresionistas vino del nombre de la obra de Claude Monet, Impresión: Sol Naciente en el nombre de un artículo en periódico Le Charivari, "Exhibición de los impresionistas” dando referencia al cuadro de Monet. El nombre del movimiento Minimalismo salió de un articulo escrito por la critica Barbara Rose, que escribió un articulo sobre una exhibición de arte minimalista que se llamaba “El ABC de arte” pero ese nombre no despertó a los otros críticos de arte, pero en ese articulo ella describía el arte de la exhibición como lo “mínimo” y eso si pego y de allí salió el nombre del arte Minimalista.

Clude Monet, Impresion: Sol Naciente, 1872

Henry Matisse, Alegria de Vida, 1905-06

Henry Matisse, Mujer de Raya Verde, 1905
El critico francés Louis Vauxcelles denomino dos movimientos de arte, el Fauvismo y el Cubismo. Vauxcelles escribió un articulo en una exhibición donde estaba la escultura de Donatello y obras de artistas relacionados con Henry Matisse y escribió “Donatello con las Bestias Salvajes” (Donatello Parmi les Fauves). Uso las palabras ‘bestias salvajes” por el uso increíble del color en las obras, pintando obras con tronco de arboles azules, anaranjados y con pasto azul y amarillo. También nombro el Cubismo en 1908 cuando viendo un cuadro de Braque lo describió como “lleno de pequeños cubitos” y ese termino gano popularidad entre los críticos.

Henry Matisse, El Estudio Rojo, 1911

Van Gogh, El cafe Nocturno de la Place Lamartine de Arles, 1888
El post impresionismo de van Gogh fue la continuación del impresionismo de Monet, las brochas gruesas fueron más fuertes aun. A veces son la continuación de un movimiento, a veces son la oposición de otro movimiento. Así como el Cubismo fue la continuación del Post Impresionismo, los cuadros de Paul Cezanne son el pre requisito del cubismo como podemos ver en su obra Monte Sainte Victoria.

Paul Cezanne, Monte Sainte Victoire, 1902-06,

Braque, Casas en L'Estaque, 1908

Así es que Paco para responder a tu pregunta si hay un proceso formal, seria que varios pintores empiecen a pintar algo nuevo que nunca antes se haya hecho. Después de eso los críticos se dan cuenta que hay algo nuevo y le ponen un nombre y así se forma un nuevo movimiento artístico. No te olvides que algunos movimientos son la continuación de otros movimientos, o son la oposición de otros. Si hubiera un nuevo movimiento que se esta formando en estos días seria el ”Nuevo Paisaje”, que he visto un par de artistas que están haciendo paisajes como nunca antes hecho. Pero se necesitan más artistas y que tengan más presencia en el público y en los museos sobre todo.

Espero que mi respuesta haya sido de tu agrado.

Augusto Chimpen

miércoles, 30 de noviembre de 2011

¿Cuál es la obra de arte más importante de la historia?


Leonardo da Vinci, La Ultima Cena, 1495-97

¿Cuál es la obra de arte más importante de la historia? Marco, San Juan, Puerto Rico

Estimado Marco, para mí esa es la pregunta más importante en el arte. Me parece que si alguien pregunta cuál es la obra más importante se debe responder. Mis profesores en la universidad no querían responder cuál es la obra más importante del siglo o de la historia. Porque si preguntaban a varios historiadores quizás iban a ver varias respuestas. Como el arte no es científico donde hay cosas exactas, pero como este es mi blog yo si quiero responder esas preguntas.

Hay varias obras que podrían ser consideradas. Entre ellas la más conocida y popular es La Mona Lisa, también está La Creación de Adán de Miguel Ángel y La Ultima Cena de Leonardo da Vinci. ¿Qué es la Mona Lisa? Es un retrato hecho una obra maestra, con un interior dentro del balcón y el exterior imaginario, comparando lo real con lo ficticio. Pero solo es un retrato, no cuenta ninguna historia. La Creación de Adán es una obra religiosa, basada en la Biblia y cuenta una historia, la creación del hombre. Usualmente las obras de arte cuentan una historia, algunas cuentan dos historias, pero La Ultima Cena cuenta tres historias. Este mural se encuentra en el comedor del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milan, fue hecho entre 1495 y 1497, las dimensiones del mural son 460x880 cm. La primera historia que cuenta es cuando Cristo dice. ”Les Aseguro que uno de Uds. me va a traicionar. Ellos se entristecieron mucho y uno por uno se empezaron a preguntarle. ¿Acaso seré yo, Señor?” Mateo 26:21-22. Por esos los gestos de los apóstoles crean una interacción entre ellos, Tomas tiene un dedo en el aire, diciendo uno de nosotros, Felipe se toca el pecho preguntando. ¿Soy yo Señor? Mateo estira los brazos diciendo, mira lo que ha dicho. Simón al costado derecho dice. ¿Que es lo que ha dicho? Andrés tiene el gesto como diciendo. ¿Pero qué ha dicho? Pedro le susurra a Juan, que le pregunte a Jesucristo quien es el traidor. Santiago el Mayor tiene un gesto como diciendo, esto no puede ser. El gesto de Simón es. ¿Acabas de escuchar lo que ha dicho? Estos gestos crean una interacción entre la obra y el espectador igualmente.

Domenico Ghirlandaio, La Ultima Cena, 1480
Los apóstoles están divididos en cuatro grupos de tres, dejando a Jesucristo aislado en el centro. Cristo tiene forma piramidal, dando más estabilidad y tranquilidad a su persona. La luz da en la cara de todos los apóstoles menos en la cara de Judas, que tiene sombra, también tiene la bolsa con las 30 monedas de plata. En otros cuadros de La Ultima Cena, es difícil saber quién es Judas, en esta obra es muy fácil encontrarlo. Detrás de la espalda de Judas, Pedro tiene un cuchillo en su mano como diciendo, tú eres el que mete el cuchillo por la espalda, el traicionero. Judas también es el único que tiene el codo en la mesa, signo de mal comportamiento. Judas es el único que no se sorprende de las palabras dichas por Cristo y se retrocede al sentirse insinuado por las palabras de Cristo. Igualmente es el único que está aislado de los demás.

Tintoretto, La Ultima Cena, 1594

La segunda historia que cuenta es la Eucaristía, “Jesús tomo pan y lo bendijo. Luego lo partió y se los dio a sus discípulos diciéndoles. Tomen y coman este es mi cuerpo. Después tomo la copa, dio gracias y se las ofreció diciéndoles. Beban todos de ella, esto es mi sangre, que es derramada por mucho para el perdón de los pecados”. Mateo 26:26-28. La introducción de la Eucaristía es muy importante en el mundo cristiano y ese es el gesto de Jesucristo en esta obra, la reconciliación con la humanidad.

Juan de Juanes, La Ultima Cena, 1560

Cuando Jesús bendice el vino con su mano derecha con la palma hacían abajo, simbolizando la tierra y cuando bendice el pan con su palma hacia arriba simbolizando el cielo y él es el mediador entre el cielo y la tierra y el salvador de la humanidad. Los gestos de la mano de Jesucristo dicen mucho también, cuando bendice el vino tiene la mano en acción de agarrar, y cuando bendice el pan, su mano esta en un gesto de dar, como significando te agarro y te doy mi amor.


Hans Holbein el Joven, La Ultima Cena, 1524-25
La tercera historia que se cuenta aquí es cuando Cristo dijo “El que moja su pan en el mismo plato que yo, es el que me traicionara” Mateo 26:23 y se ve a Judas moviendo su mano para agarrar el pan.

Perspectiva lineal de La Ultima Cena de Leonardo da Vinci
La perspectiva que hay en esta obra es espectacular, el punto de fuga o el punto donde las líneas de la perspectiva se convergen, son en los ojos de Jesucristo haciéndolo el centro de la obra. Esto produce un efecto tridimensional impresionante, que hace contraste con la mesa que se encuentra en el primer plano. El mantel blanco horizontal hace contraste en la escena dando carácter tranquilidad y reposo. Haciendo contraste con las diagonales hasta el fondo de la sala que dan movimiento y profundidad en el espacio y esto aumenta el realismo de la obra. Igualmente podemos decir que la obra es simétrica siendo Cristo la mitad del espacio y el punto de referencia.

Francisco Ribalta, Ultima Cena, 1604
La obra no es estática, si no, hay un sentido de acción y movimiento espectacular, que poco se ve en obras de arte. Te doy los nombres de los apóstoles de izquierda a derecha, Bartolomé, Santiago el Menor y Andrés, el segundo grupo esta Judas Iscariote, Pedro y Juan, después esta Cristo, le siguen Tomas, Santiago el Mayor y Felipe y el último grupo son Mateo, Judas Tadeo y Simón.

La cara de Jesucristo esta triste porque va ser traicionado, pero el pone más énfasis en la salvación que en la traición con sus gestos de bendecir el pan y el vino.

Marcos para mí la obra más importante de la historia es La Ultima Cena de Leonardo da Vinci por la manera que lo hace, contando tres historias y esto lo hace único y excepcional. Jesucristo siendo la figura principal en el espacio y en la obra. De la manera que hace el relato histórico religioso como ningún otro artista lo ha hecho. Es una obra que dice mucho, tiene una composición geométrica muy buena, ya que el corazón de Jesucristo esta en el centro del mural midiendo de izquierda a derecha, que significa su amor y haciendo su corazón el centro de la obra. De arriba para abajo el centro de la obra son sus ojos, significando, todo lo ve. La Ultima Cena esta tan bien representada que para mí la hace la obra más importante de la historia.

Espero que te haya gustado mi respuesta .


Augusto Chimpen

jueves, 10 de noviembre de 2011

¿Cómo tomar mejores fotografías?





Ansel Adams, Montañas Tetons y el río Culebra, 1942

Ansel Adams, Luna con Media Cúpula, Parque Nacional de California Yosemite, 1960


Henri Cartier-Bresson, Detras de la Estacion Gare Saint Lazare, 1932

Minor White, Caida del Diablo, California, 1947


Robert Frank, US 285, New Mexico, 1855
Hola, me interesa saber o aprender a tomar mejores fotografías. Jannet, Chiapas, México

Estimada Jannet, gracias por tu pregunta. Ansel Adams decía, “No tomas una fotografía, la haces”. Eso quiere decir que tú antes de tomar una fotografía tienes que tener todo lo que quieres al frente de tu cámara. Tienes que construir tu fotografía. Una fotografía para un artista, no es la reproducción de la realidad, es la reproducción de su propia realidad. Una fotografía tiene que dar una emoción, mientras más fuerte la emoción, mejor es la fotografía. La estética es también muy importante, si no la fotografía no tiene peso artístico.

“Tus primeras 10,000 fotografías serán tus peores fotos”, decía Henry Cartier-Bresson. Eso quiere decir que tienes que practicar mucho y aprender de tus errores. Para ser un buen fotógrafo tienes que ver y estudiar a los fotógrafos consagrados, porque la mejor lección es su obra. Pero la fotografía como profesión en artes plásticas ha cambiado mucho. Hace 15 años no había ningún centro de educación especializado en fotografía, ahora los hay en muchos países, que son como una universidad de la fotografía, en México DF esta el Centro de la Imagen.

Brassai, Brouillard, Av. del Observatorio, 1934

Paul Outerbridge, Bodegon, 1936

                            Angela Grauerholz, Marie Potvin, 1990
“Si tus fotografías no son buenas es porque no te acercaste lo suficiente”. Dijo Robert Capa, no te acercaste suficiente a la emoción que querías dar, significa que no te salió como tú querías o como debería ser. Una fotografía puede mejorar si le das más énfasis a la emoción que quieres demostrar.

“Siempre estoy fotografiando todo mentalmente para practicar”. Minor White dijo eso. Claro tu mente debe saber cómo va a salir la foto. La cámara esta en tu mente. No puedes dejar que la cámara te sorprenda con otro resultado del que tú querías. Debes conocer todo lo que tu cámara puedes hacer y todas las posibilidades que quieres que tu fotografía tenga.

“Lo importante es ver aquello que resulta invisible para los demás”. Robert Frank. El ojo del artista es único, si varios fotógrafos fueran a tomar la fotografía de una silla, los resultados fueran diferente de cada artista, porque cada uno de ellos tienen diferente valores de estética y análisis de los objetos. Uno la podría tomar de costado, otro de frente, otro de arriba, uno de cerca y otro de lejos, otro podría tomar la mitad de la silla, y David Hockney tomo varias fotos de la silla, las corto hace una collage fotográfico como el de la foto y todos los artistas le dan diferentes valores de sombras, formas, colores, unos pueden hacer la fotografía horizontal, otros la harán cuadrada o vertical. También la pueden hacer pequeña, mediana, de tamaño natural, de gran formato o transparente de 2.20X2.90 metros como la de Jeff Wall. Las posibilidades son muchas.

Roberto Huarcaya, Jendy, 2009

Alexander Apostol, Los Arboles de Pardo I, 2008

Jorge Vera, Arco de St. Louis, 2010

David Hockney, Silla, 1985
“Lo más magnífico de las fotografías es que pueden producir imágenes que incitan la emoción basadas en un único tema”. Brassai. Cada fotografía tiene que buscar una emoción, una respuesta del observador, si no hay un dialogo entre el espectador y la imagen, no es buena la fotografía, así de simple.

“Influencias vienen de todas partes, pero los disparos salen principalmente por instinto. ¿Cuál es el instinto? Es toda una vida de acumulación de influencias: la experiencia, los conocimientos, ver y escuchar. Hay poco tiempo para la reflexionar en la toma de una fotografía”. Arnold Newman. La influencia que te hablaba, tienes que ver otros grandes fotógrafos y ver porque trabajan así. Porque le pusieron esas formas, esas sombras, ese tema tan banal y salió tan genial. Debes de leer sobre la obra de los fotógrafos que te gustan. Te mando los fotógrafos que me gustan y estos son solo algunos. Joan Fontcuberta, Ansel Adams, Edward Weston, Harold Edgerton, Alfred Stieglitz, Dorotea Lange, Ilse Bing, Brett Weston, Berenice Abbott, Paul Outerbridge, Aaron Siskind, Minor White, William Wegman, Shelby Lee Adams, Irving Penn, Julia Fullerton-Batten, Sandy Skoglund, Daniela Edburg, Ángela Grauerholz, Harry Callahan, Jeff Wall, Naoya Hatakeyama, Serge Tousignant, Roberto Huarcaya, Juan Manuel Echavarria, Jorge Vera, Cecilia Avendaño y Alexander Apostol.

Hay muchos mas fotógrafos, que los que te mencione, búscalos y analiza su obra. Jannet ya sabes que hay una universidad de la fotografía en México DF. También puedes escribir a algún fotógrafo y que te diga que te falta, que te ayude a mejorar. La mayoría de artistas son amigables y les gusta ayudar a los jóvenes para que sean artistas también.


Brett Weston, Lluvia en el Techo

Naoya Hatakeyama, Explosion, 1998

Alfred Stieglitz, Dos Torres, New York, 1913

Edward Weston, Pimiento, 1933
Me acuerdo que una vez hice una crítica para Art Nexus sobre una exhibición de Ángela Grauerholz en Montreal. La serie que ella presentaba eran retratos en blanco y negro de formato mediano, pero casi nadie en las fotografías miraban a la cámara. Alguien tomaba agua, otro fumaba, estaban de costado hablando o riéndose, algunas imágenes estaban borrosas o movidas. Una fotografía era más sombra que luz y se veía el perfil mayormente. Lo que quería hacer Grauerholz era hacer retratos como nunca antes nadie lo había hecho. Hacer lo mismo pero totalmente diferente. Eso es crear algo nuevo, algo nunca visto. Algo banal pero con creatividad, algo puesto por el artista y no por la imagen. El fondo de los retratos no era de un solo color, tenían sombras que le añadían misterio, creatividad y manipulación de parte del artista.

Cecilia Avendaño, Respiración 20, 2011

Joan Foncuberta, Orogenesis Weston,  2004
Irving Penn, Niños del Cuzco, 1948


Si vas a tomar fotografías de algo común, dale una mirada única, crea algo nuevo nunca antes hecho. Para eso necesitas ver y saber de trabajos de otros artistas.

Espero que mi respuesta te ayude a tomar mejores fotografías.

Augusto Chimpen


Dorotea Lange, Madre Inmigrante, 1936

Martin Chambi, Juan de la Cruz Sihuana con Víctor Mendívil, 1925